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Resonare fibris by Luisa D. Camacho - 1M ago
Estêvão Lopes Morago (en español: Esteban López Morago) nació en Vallecas (Madrid), en 1575 y murió probablemente en Orgens (cerca de Viseu), alrededor de 1630.

Aun siendo de origen español, estudió, vivió, trabajó y murió en Portugal; siendo uno de los polifonistas más importantes de la historia de la música de este país y uno de los representantes del alto nivel de intercambios culturales que algunas de las más altas figuras de la historia no sólo musical peninsular realizaban, moviéndose libremente entre ambos países, a pesar de los acontecimientos políticos de la época.

Estudió en el Colégio dos Moços (Catedral de Évora) de 1592 a 1596 con Filipe de Magalhães y recibió su licenciatura el 3 de marzo de 1596. En 1599, fue nombrado Maestro de Capilla en la Catedral de Viseu.

Después de 25 años como Maestro de Capilla, el cabildo de la catedral le da una licencia de un mes para que vaya a Lisboa a negociar con el impresor real la publicación de una cantidad sustancial de sus obras. Incapaz de obtener un contrato favorable en Lisboa, regresa a Viseu para supervisar la copia de una de las dos colecciones de manuscritos que ha sobrevivido hasta nuestros días, un Vesperal (1628) de 111 folios que contiene 3 salmos, 18 himnos y 4 Magnificat.

Inmediatamente después de 1628, parece haber hecho una breve visita a España. Luego continuó como maestro de capilla hasta abril de 1630. En ese año, firma un ejemplar de regalo del Officium Defunctorum de Magalhães como fraile menor, posiblemente como resultado de su retiro al convento franciscano de Orgens.

Filipe de Magalhães | Missa pro Defunctis - YouTube


Studio Chorale

Las dos fuentes supervivientes de la música de Morago son el mencionado Vesperal de 1628 y un Livro da Quaresma de 149 folios, que, además de la música de Cuaresma, también contiene 81 composiciones para los domingos en Adviento, Navidad, Purificación y Oficio de Difuntos.
Escribió motetes, salmos (algunos para doble coro), responsorios de Navidad, himnos y varios Magnificat.

La popularidad de su música se demuestra en un manuscrito copiado del siglo XVIII que contiene algunos de sus salmos para doble coro.

Al igual que sus contemporáneos Brito, Cardoso y Lobo, la música de Morago está compuesta en estilo antico. Sin embargo, esta apuesta estética le permitió escribir algunas de las obras más espirituales de la polifonía portuguesa, como Oculi Mei o De Profundis. El musicólogo Manuel Joaquim consideró el primero como "genial y digno del renombre de O vos omnes de Palestrina...".

El compositor británico Ivan Moody escribió: (...) Lo que causa un impacto especial en la música de Morago es el uso de la disonancia, y (...) su interés en las antífonas. Motetes como Oculi mei, de clave ambigua, intercalados con innumerables cuartas disminuidas, demuestran perfectamente la expresividad de esta audacia armónica. Las alternancias de este tipo de composición imitativa elaboradas minuciosamente con sacudidas repentinas de homofonía rítmica también son típicas en sus obras Versa est in luctum y Commissa mea; De hecho, el trabajo de Morago para textos penitenciales y fúnebres es extremadamente delicado.

Versa est in luctum - Estêvão Lopes-Morago - Officium Ensemble - YouTube


Officium Vocal Ensemble
Director: Pedro Teixeira

El lugar y el año de su muerte son inciertos. Hay indicios de que Morago se mudó a España y murió allí alrededor de 1628. Sin embargo, un documento posterior (1630) indica que Morago murió e el monasterio franciscano de Viseu (Convento de Orgens).

Sus obras se guardan en los archivos de Viseu. La Fundação Calouste Gulbenkian publicó la mayoría de ellos en el libro Obras de Música Religiosa (Portugaliae Musica IV, 1961).

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Resonare fibris by Luisa D. Camacho - 1y ago

La corrente, también llamada courante, coranto o corant es el nombre dado a una familia de danzas ternarias de finales del Renacimiento y principios del período Barroco. 

Actualmente se suelen usar estos distintos nombres para distinguir tipos de corrente (forma italiana de la palabra que designa a la danza de ese origen), pero en las fuentes originales tales pronunciaciones eran indiferentes.

A fines del Renacimiento la danza se bailaba con rápidos giros y saltos, según describe Thoinot Arbeau. Estas danzas solo eran bailadas por la élite social de la época.

Durante su uso más común, en el período barroco, la corrente tuvo dos variantes: la francesa y la italiana. El estilo francés tenía muchos acentos cruzados y era una danza lenta. La corrente italiana era más rápida, con desarrollo más libre y rápido, aunque no está claro cuáles eran las diferencias significativas con la corrente francesa del Renacimiento descrita por Arbeau.

En una suite barroca, sea italiana o francesa, la corrente típicamente se incluye entre la alemanda y la zarabanda, como segundo o tercer movimiento musical.

Bach - Cello Suite No. 2 in D Minor BWV 1008, Courante; Eva Lymenstull 4K UHD - YouTube


J. S. Bach
Cello Suite No. 2 in D Minor BWV 1008, Courante
La Courante de la Suite en D Menor está ejecutada en un violonchelo barroco inglés original y anónimo (ca. 1730) y arco barroco de Kees van Hemert, La Haya (Países Bajos) por Eva Lymenstull, ganadora de la Voices of Music International Bach Competition de 2017.

En sus suites para cello, Bach crea la combinación perfecta de los cinco sentidos musicales: expresión individual, técnica, contrapunto, ritmo y armonía.

La música ha sido infinitamente adaptada y arreglada, y cada violonchelista estudia estas composiciones en diferentes momentos de sus vidas.

Mucho se ha escrito sobre las suites, sin embargo, se sabe poco. Parece imposible que se escriban libros enteros sobre algunos restos de registros históricos, pero tal es la naturaleza de estos trabajos que crean historias por sí mismos.

Sin saber nada con certeza, parece probable que la música fuera compuesta por Bach en el año 1720, cuando era maestro de capilla en Köthen. La fecha es sólo una suposición, basada en parte en el estilo y en el hecho de que tenemos una fecha (1720) para la copia autógrafa de las sonatas para violín.

Tenemos la suerte de tener la copia de la música escrita por la esposa de Bach, Anna Magdalena, así como una versión autógrafa de una de las suites en un arreglo para el laúd en escritura del propio  Bach.

Se dice que las suites eran desconocidas hasta que el violonchelista Pau Casals las descubrió en una tienda de segunda mano en Barcelona a la edad de trece años. La historia no explica cómo esta música podría ser completamente desconocida, incluso si estuviera fácilmente disponible en varias ediciones impresas. Como en el caso de los conciertos de Brandenburgo, las historias altamente embellecidas de muchas de las obras de Bach aparecen en la década de 1930 coincidiendo con la comercialización de grabaciones y giras de conciertos. Invariablemente, estas historias toman la forma de un "rescate", en el que las obras maestras se pasan por alto por primera vez y luego se salvan de la oscuridad permanente debido a una serie de eventos improbables. Pero la teoría más plausible quizá sea que muchas de las obras de Bach se realizaron y estudiaron continuamente después de su muerte; por ejemplo, el Clave bien templado, el cual influyó en generaciones de compositores.

La transmisión de manuscritos para las suites de cello comienza cuando uno de los alumnos favoritos de Bach, el compositor y organista Johann Christian Kittel, ferviente admirador de su maestro y de su estilo compositivo, comparte las obras de Bach con sus propios alumnos, incluido el virtuoso violonchelista y compositor Johann Friedrich Dotzauer.

La otra figura histórica importante es Johann Peter Kellner, quien copió muchas de las obras de Bach a finales de la década de 1720. 

Anna Magdalena y Kellner son las dos fuentes contemporáneas para las suites que han sobrevivido hasta nuestros días.

Dotzauer, pudo haber estado trabajando con una de estas copias o una copia posterior cuando comenzó el estudio de las obras, lo que pudo haber provocado que en 1826 la demanda de la música de Bach y de las obras para el violonchelo en general hubiera crecido hasta el punto que las suites fueran publicadas por Breitkopf & Härtel en 1826. 

Aunque Dotzauer pudo rastrear su estilo musical directamente hasta Bach, en la década de 1820 (100 años después de que Bach compuso las suites), en aquella época los artistas estaban más interesados ​​en adaptar la música al estilo y sabor del tiempo que en atenerse a los gustos de la interpretación Barroca. Del mismo modo, la influyente versión de Dotzauer hizo oscurecer las dos fuentes principales hasta la década de 1960.

Al rastrear la copia encontrada por Casals, vemos que la versión de Dotzauer probablemente la pasó a su alumno, Karl Dreschler, y de allí al alumno de éste, Friedrich Wilhelm Grützmacher, trayendo las suites al siglo XX llenas de marcas, acordes adicionales y adornos que recuerdan la época del cine mudo. Grützmacher, además de ser un violonchelista excepcional, arregló y reordenó una serie de importantes obras históricas, incluyendo el Concierto para Violonchelo en Si bemol mayor de Boccherini. 

En aquel tiempo era común que los compositores adaptaran las obras de Bach, Händel y Boccherini para audiencias contemporáneas, a menudo añadiendo sus propias anotaciones.

Las suites para violonchelo de Bach se convirtieron en una parte permanente del renacimiento de la Música Antigua en la década de 1960, cuando la Sociedad del Patrimonio Musical contrató a Nikolaus Harnoncourt para grabarlas.

Una década después de Harnoncourt, los intérpretes comenzaron a realizar las suites utilizando técnicas históricas en serio, con grabaciones notables como las de Anner Bylsma y Sigiswald Kuijken.

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